Para alguien no muy fanático de la Navidad el relato escrito por Charles Dickens puede resultar algo acartonado y alejado de su entorno de confianza. Sin embargo, resulta increíble que un cuento tan corto y escrito hace cerca de doscientos años siga cautivando a un público cada vez más digital y conquistado por la inteligencia artificial. Y es que, pocos textos literarios han demostrado una capacidad tan prodigiosa para mutar con el paso del tiempo sin perder su sustrato moral como Cuento de Navidad.
Desde que Dickens lo publicara en 1843, su alegato contra la deshumanización capitalista de la Inglaterra victoriana ha funcionado como un espejo en el que cada generación cinematográfica ha proyectado sus propias ansiedades ideológicas.
El idilio con el celuloide fue prácticamente inmediato. Ya en los albores de los orígenes del cine, uno de los pioneros británicos del ‹trick film› como Walter R. Booth se acercó al universo del autor británico en 1901 con Scrooge; or Marley’s Ghost, un pequeño corto de solo tres minutos de duración en el que el ilusionista inglés, coetáneo de Méliès, experimentó con una serie de trucos y sobreimpresiones (fundamental la primera aparición del espectro en la mirilla de la puerta) que mutaban la moraleja del cuento en un relato más cercano al cine de terror y fantástico.
A lo largo de las tres décadas siguientes, el mito transitó del teatro filmado mudo —con versiones como la de 1910 producida por Edison o la interpretación de Seymour Hicks en 1913 y su posterior salto al sonoro en 1935— hacia formas cada vez más codificadas, oscilando entre el cuento gótico de terror y la fábula moralizante. Con el tiempo, el relato acabaría absorbiendo todo tipo de registros: desde el esplendor gótico-realista de Brian Desmond Hurst en 1951 (con un insuperable Alastair Sim), hasta el musical “dickensiano” de Ronald Neame, el corto animado clásico tan pasado por las televisiones en las navidades de los años ochenta y noventa, la sátira televisiva ochentera y muy gamberra de Richard Donner con un Bill Murray desatado en Los fantasmas atacan al jefe o la animación digital de Robert Zemeckis. Sin embargo, para que existiera ese canon moderno y amable que hoy asociamos a las fiestas, primero tuvo que producirse la domesticación clásica de Hollywood a finales de los años treinta.
Es precisamente en ese punto de inflexión donde se sitúa la versión producida por la MGM en 1938. Para comprender su naturaleza conviene observar el contexto industrial en el que fue levantada. A finales de la década de los treinta, el cine de estudios hollywoodiense atravesaba su edad de oro financiera y artística, consolidando una fórmula que combinaba el prestigio cultural con el entretenimiento familiar de gran público. Estudios como la Metro habían encontrado en los grandes clásicos de la literatura europea —especialmente la británica, tras el éxito de títulos como David Copperfield (1935) o Historia de dos ciudades (1935)— un filón inagotable para legitimar la explotación del medio cinematográfico mediante unos relatos que no solo entraban por los ojos, sino que igualmente planteaban dilemas morales muy interesantes.
Así, y bajo el auspicio de un joven Joseph L. Mankiewicz en su etapa como productor antes de dar el salto definitivo a la dirección, se levantó la versión hollywoodiense clásica del relato de Dickens, bajo la responsabilidad en la dirección de uno de esos artesanos que hacían fácil lo difícil como Edwin L. Marin, alguien que encarnaba a la perfección el perfil de realizador eficiente que no ponía trabas a las exigencias del estudio. Llama la atención el hecho de que Marin, con el paso de los años, se convirtió en un director todoterreno capaz de sacar adelante con idéntica solvencia diversos géneros como el western, el cine negro de serie B, el melodrama o la comedia ligera, convirtiéndose en un fiel aliado en los cincuenta de un Randolph Scott mutado en el Rey de la serie B de ese decenio.
El resultado fue una pieza de cámara de apenas sesenta y nueve minutos que condensó con una economía narrativa, que no de medios, admirable toda la arquitectura dramática del original. La película renuncia deliberadamente a las aristas más macabras y pesadillescas de la novela —los espectros apenas dan miedo y se abren como un personaje amable más que pasa por delante de los ojos del espectador más como elemento cómico que de terror— para abrazar sin complejos el espíritu del cuento de hadas amable y reparador. Es ahí donde reside tanto su principal bache, pero también su indudable encanto: lo que pierde en densidad atmosférica lo gana en fluidez narrativa, en candidez humana y un sentido del ritmo que no concede un solo segundo de tregua al espectador, y en el que no sobra ni un solo minuto de metraje.
Gran parte del éxito de la propuesta descansa en un reparto, repleto de secundarios de la MGM, que cumplen con creces su cometido. Y es que la caracterización de Scrooge recayó finalmente en Reginald Owen, uno de esos rostros familiares de nombre difícil de recordar en la memoria, quien compuso un Scrooge muy humano y terrenal y, por ello, menos grotesco de lo habitual. Un hombre de negocios cuya avaricia parece brotar más de una amargura presente, derivada de actos pasados, y de consecuencias futuras funestas, tal como le hacen ver las tres apariciones. A su alrededor resalta la presencia de la familia Lockhart —Gene y Kathleen Lockhart como el matrimonio Cratchit, acompañados por su propia hija June— quienes aportan una ternura muy real, alejada del empalago y almíbar, que eleva emocionalmente el relato.
Desde el punto de vista visual, Edwin L. Marin filma con la transparencia propia de la mejor escuela clásica. Pues la película presenta unos encuadres muy bien trazados, una planificación perfecta que no interrumpe en ningún momento la interacción entre los actores y una fotografía en blanco y negro muy pictórica y académica engalanada con los decorados marca de la casa MGM. Puede que Cuento de Navidad (A Christmas Carol, 1938) no sea la adaptación más recordada y perfecta de la historia del cine. Cierto, su adscripción el melodrama clásico y amable de finales de los años treinta la convierte en un producto muy bien realizado, pero también fácilmente olvidable. Pero vista hoy, se eleva como una joya de ese cine artesanal que buscaba simplemente entretener al espectador, sin renunciar a ofrecer lecciones morales imperecederas. Un cine extinguido y al que siempre es un placer volver a caer de vez en cuando para recordarnos que no siempre hace falta contemplar una obra maestra para sentirse reconfortado por una obra sin más pretensiones que ofrecer un abrigo calentito en el que no dar muchas vueltas a la cabeza, al menos durante una escasa hora y diez minutos.
Es por lo que, en un mundo moderno y robótico como el nuestro, el relato de Dickens sigue ofreciendo un refugio que nos muestra que el éxito económico no ofrece la felicidad absoluta. Que una cuenta bancaria repleta de euros no sustituye al afecto de tus familiares y amigos. Que el aislamiento social que supone la digitalización y las relaciones a través de redes sociales, no podrán reemplazar del todo al abrazo humano y lo que reconforta el perdón y la redención. Y que el tiempo es el recurso más valioso por encima de todos los demás.
Todo modo de amor al cine.
