Habitualmente, cuando el cine trata el trauma o la culpa, lo hace desde una perspectiva bastante evidente, casi guiando al espectador de la mano para que entienda qué ocurre y por qué. Sin embargo, Anémona decide tomar un camino distinto, uno más introspectivo y exigente, donde el conflicto no se presenta de forma clara desde el inicio, sino que debe ser reconstruido poco a poco.
La película aborda temas como el abandono, la culpa y sus consecuencias con bastante acierto, especialmente en cómo muestra que este tipo de dolor no solo afecta a quien lo sufre, sino también a quienes le rodean. En este sentido, la culpa no se presenta como algo puramente interno, sino como una fuerza que se extiende hacia el entorno, dañando relaciones y generando distancia antes incluso de que el propio personaje termine de enfrentarse a ella. No es una culpa que estalle de forma inmediata, sino que se filtra lentamente en el día a día, en las decisiones, en los silencios y en la incapacidad de conectar con los demás.
Todo el relato gira en torno al personaje interpretado por Daniel Day-Lewis, y lo hace de forma completamente deliberada. No estamos ante una historia coral, sino ante un retrato íntimo que encuentra en su protagonista su eje central. La película no depende de él por debilidad, sino por diseño: es a través de su presencia, de sus silencios y de su contención, donde se construye el tono y el peso emocional de la obra. Su interpretación no busca grandes explosiones dramáticas, sino una acumulación progresiva de tensión interna que termina por definir al personaje.
Sin embargo, es precisamente en su forma de plantear el conflicto donde la película encuentra su principal limitación. Durante buena parte del metraje, el espectador no tiene un acceso claro a lo que está ocurriendo, y se ve obligado a reconstruirlo a través de pequeños detalles, gestos y conversaciones fragmentadas. No es una película confusa, pero sí deliberadamente opaca en su inicio, y eso hace que el acceso emocional a la historia no sea inmediato.
Esta decisión narrativa tiene sentido si se entiende como un reflejo del propio estado del protagonista: alguien incapaz de verbalizar lo que siente, encerrado en sí mismo, y cuya culpa no se expresa de forma directa. Pero que tenga sentido no significa que funcione siempre. La película exige una actitud activa por parte del espectador, una atención constante que no todos estarán dispuestos a mantener, especialmente en sus primeros compases.
Más que invitarte a entrar en su dolor, la película te exige que lo descifres. Y aunque esta propuesta puede resultar estimulante desde un punto de vista intelectual, también genera una cierta distancia que dificulta la conexión emocional. Durante gran parte del inicio, no es tanto que no entiendas lo que ocurre, sino que no terminas de sentirlo.
Es cuando la película finalmente empieza a clarificar su conflicto cuando todo cobra más fuerza. El espectador, que hasta ese momento ha ido encajando piezas, puede por fin comprender el alcance real del trauma y de la culpa, y es ahí donde la historia gana peso. Las consecuencias que antes se intuían empiezan a adquirir forma, y el retrato del personaje se vuelve más completo y coherente.
En última instancia, Anémona es una obra interesante y con una base temática sólida, que acierta en su aproximación a la culpa como elemento destructivo tanto interno como externo. Sin embargo, su decisión de no facilitar el acceso al conflicto desde el principio provoca que la experiencia sea irregular, especialmente en su arranque.
No es una película que no funcione, pero sí una que exige más de lo que ofrece en sus primeros tramos. Y aunque termina encontrando su lugar, lo hace tras un proceso en el que el espectador ha tenido que hacer parte del trabajo que la propia película podría haber asumido.
Una película que entiende muy bien el peso de la culpa, pero que tarda demasiado en hacértelo sentir.
